Selección de obras que dialogan con arte y telecomunicaciones.

Arte y telecomunicaciones designa un campo de prácticas artísticas que emplea tecnologías de comunicación —como la radio, la televisión, la telefonía, las redes informáticas y satelitales— como medios y soportes para la creación. Estas obras, en muchos casos interactivas o distribuidas geográficamente, problematizan la noción de presencia, el tiempo real, la transmisión y la conectividad como dimensiones estéticas y conceptuales. Desde la segunda mitad del siglo XX, este enfoque ha permitido a los artistas expandir los límites espaciales y temporales del arte, generar nuevos modelos de participación colectiva y reflexionar críticamente sobre los sistemas de información y control.

Selección de obras Net.Art.

Mi net.art es arqueología inversa: excavo códigos HTML obsoletos —vestigios de una web primitiva— para construir monumentos a lo glitch. Trabajo con scripts comerciales descontextualizados, como esas etiquetas que alguna vez persiguieron al mouse con fines mercantiles, y las convierto en gestos de resistencia poética. ¿Qué queda cuando una herramienta de vigilancia se vuelve un pincel digital? La respuesta está en estas páginas/obras: palimpsestos donde el hipertexto se revela como huella de un cuerpo navegando entre errores.

No me interesa el lenguaje depurado ni las últimas APIs. Prefiero la estética cruda de los tags rotos, los marcos que se solapan como capas de pintura al óleo, y los GIFs pixelados que titilan como iconos de un renacimiento digital. Aquí, el HTML no es un medio neutral: es un campo de batalla histórico. Revisito su sintaxis como Da Vinci hizo con el óleo —aprovechando sus ‘imperfecciones’ (la latencia, el buffer, el error 404) para cuestionar la obsesión contemporánea por lo nuevo, lo fluido, lo comercialmente viable.

Cada obra es una transcodificación fallida a propósito: archivos corrompidos que devienen texturas, códigos que se autosabotean para mostrar su lado vulnerable. La pérdida de datos no es un problema técnico, sino mi método conceptual. ¿Cómo? Transformando algoritmos de rastreo en ritmos visuales hipnóticos; convirtiendo tablas HTML en retículas que recuerdan a Mondrian; usando el ‘view source’ como gesto de deconstrucción, donde el espectador puede borrar líneas de código como si fueran capas de temple.

Estas piezas no son interactivas: son cómplices. Invitan a leer entre las etiquetas, a descubrir cómo un ‘<marquee>’ olvidado puede ser hoy un manifiesto sobre la fugacidad digital. Mi net.art no celebra la innovación: expone sus costuras rotas, sus promesas incumplidas, y en esa fisura, encuentra belleza.

Selección de obras arte digital, artbook digital.

Mis artbooks digitales son artefactos temporales donde el proceso creativo se vuelve texto, gesto y partitura visual. En la creación se edita a sí misma, capa tras capa, en un palimpsesto de decisiones.

Aquí, la autoedición es un método de deconstrucción: intervengo maquetas como si fueran partituras gráficas, obliterando márgenes y superponiendo textos que dialogan con citas artísticas (hipertextos que saltan como samples sonoros). El formato digital permite navegar el tiempo no lineal: un scroll acelera el ritmo de lectura; un click revela versiones descartadas que susurran detrás de las páginas principales.

Selección de obras digitales.

Mis obras digitales son artefactos temporales donde el proceso creativo se vuelve texto, gesto y partitura visual. En la creación se edita a sí misma, capa tras capa, en un palimpsesto de decisiones.

Aquí, la autoedición es un método de deconstrucción: intervengo maquetas como si fueran partituras gráficas, obliterando márgenes y superponiendo textos que dialogan con citas artísticas (hipertextos que saltan como samples sonoros). El formato digital permite navegar el tiempo no lineal: un scroll acelera el ritmo de lectura; un click revela versiones descartadas que susurran detrás de las páginas principales.

Selección de obras que abordan el arte de acción.

El gesto, para mí, es un acto de traducción: convierte lo íntimo en colectivo. Cuando mi dedo apunta al vacío o mis pasos dibujan un círculo en el suelo, no estoy trazando un símbolo privado, sino abriendo un espacio donde quien observa puede reconocer su propio temblor, su rabia o su deseo.

El gesto, efímero y vulnerable, es mi herramienta para recordar que lo colectivo se construye con microactos. Una inclinación de cabeza puede ser un pacto; un coro de voces que repiten un mismo movimiento, una revolución en miniatura. No quiero monumentos: prefiero la ceniza de un gesto que, al desaparecer, deja una pregunta flotando entre nosotros. Porque en ese residuo está el verdadero cuerpo social: frágil, vivo y siempre a punto de reinventarse con el próximo movimiento.

Selección de obras plásticas y visuales.

Mi práctica artística se construye desde la gestualidad como un archivo vivo: cada trazo, intervención o desplazamiento carga una pulsión reflexiva, melancólica y mínima. Trabajo con correlatos que tensionan lo material y lo simbólico, usando sistemas de producción expandidos para crear objetos que son, ante todo, huellas de un cuerpo en diálogo con sus fantasmas.

Mis obras emergen de cruces entre lenguajes visuales híbridos —gráfica, multimedia, instalación—, donde opero mediante estrategias de palimpsesto, obliteración y juego. Deconstruyo formas, superpongo memorias y experimento con lo lúdico como método propedéutico: no hay pureza en los medios, solo territorios por contaminar. Todo recurso es válido si sirve para edificar una imagen estratificada, capaz de albergar lo personal y lo político en su misma textura.

Me interesa lo precario como estética ética: recolecto lo descartado, lo frágil, lo que guarda una historia soterrada. Reconfiguro estos fragmentos en constelaciones visuales donde el gesto individual se vuelve metáfora colectiva. No busco respuestas, sino preguntas que vibren en capas: que la obra sea un espejo opaco donde el espectador reconozca sus propias grietas, sus contradicciones íntimas y sociales.

Creo desde lo urgente, pero también desde el asombro. Cada pieza es un acto de resistencia poética: un intento por fijar en el espacio eso que nos desborda —el tiempo, el deseo, la pérdida—, usando como herramienta lo que tengo al alcance de la mano. Que el resultado me identifique, me conmueva y, al mismo tiempo, se abra como un enigma compartido: ese es el ritual que sostiene mi oficio.